Autorretratos

El autorretrato es un juego entre la imagen reflejada y lo que el retratado desea proyectar sobre si mismo; puede considerarse una manifestación introspectiva de la persona, una forma de autobiografía y autocrítica. En palabras de Picasso, quien aplicó bastante este género en el arte, "al principio el autorretrato es un aprendizaje y luego se vuelve una representación: he aquí como me veo, he aquí como pienso que me vi". 

En el autorretrato existen múltiples formas de significado, entre pintores y artistas, se pueden retratar como otro personaje, como observadores dentro de un cuadro que se presentan pero no se exponen, como actores necesarios en una escena. Todas éstas son formas con diferentes motivaciones y expresiones, y desde mi perspectiva, se han logrado mostrar tanto en  la pintura como en la fotografía. Quien se autorretrata asume el papel de ser su propio modelo y puede plasmar su condición de artista ( en este caso de fotógrafo o pintor) en la obra que hace. 

El fotógrafo Lee Friedlander en su autorretrato provoca en el espectador una duda acerca de sí mismo, sobre su personificación, que se asocia a cómo es que él quiere ser observado, es un papel protagónico mucho mas fidedigno a la realidad que una pintura, porque la cámara lo toma tal cual se vio en ese momento, pero con sus sombras incluidas en el cuadro. La fotografía de su autorretrato es truculenta, porque no nos muestra mas que su perímetro de forma reflejado en la espalda de otra persona; eso le da este motivo de juego para representarse de una forma no tan evidente, aún respetando la idea de estar com modelo en el centro. La vestimenta de la mujer u hombre que sale en la foto es adecuada para poder haber captado la sombra, la chamarra al ser iluminada con la luz solar, le permite a la sombra de Friedlander tener más nitidez. Sus autorretratos se transfigura en una manera de desafiar las nociones convencionales del retrato, la abstracción, la síntesis de la persona en segundos. Estos rasgos hacen diferenciar los autorretratos de los pintores de los fotógrafos. 

Imogen Cunningham 

La fotografía, al ser más verídica con lo mostrado en la realidad, por ende puede ser mas llamativa al ojo para entender la personificación que se asigna al disparador de la cámara. Este ejemplo de autorretrato no es el único en su especie dentro de la fotografía, podemos ver en la foto de Imogen Cunningham, fotógrafa estadounidense de principios de siglo XX, una personificación distinta, que apela a lo pictórico, porque su reflejo pareciera verse  como si estuviera pintado, no obstante, tiene más juego en la composición de los objetos que coinciden en esa escena, y eso, desde mi perspectiva, la hace una imagen más interesante de observar. 

                                  

Lo que comparten estos fotógrafos es la intención de hacer un retrato de firma, que implica la inclusión del autor de una obra de arte de forma "discreta" con doble intención, por un lado marcan la obra como creación propia y como una auto-representación. Vivian Mayer tiene esta peculiaridad en sus fotografías, aunque no fuese su intención considerarse fotógrafa de manera profesional, tenía una manera peculiar de hacer su propio registro. 

 Vivian Mayer 

En la foto de Vivian Mayer, el encuadre no central hace que en un principio pase por alto su figura, mientras el reflejo del fondo del edificio resalta con un patrón de repetición  y superposición de módulos.; por un lado, los del techo del edificio frente a ella, y por otro lado el reflejo de los módulos que conforman  el edificio de en frente. La iluminación es de gran ayuda en la imagen, por los dos módulos centrales claros que resaltan, se lee la imagen de adentro hacia afuera, donde vemos en segundo plano los reflejos de los autos, la calle y un par de letreros del edificio de en frente. Mayer como modelo es incógnita, pareciera que quiere priorizar el entorno, sin perder su forma. 

Nan Goldin. 

Las fotografías de Nan retratan la complicidad entre sus compañeros de círculos cercanos, no prioriza los valores formales ni estéticos de la fotografía, algunas de ellas están fuera de foco, la composición es "incorrecta", Goldin capta la belleza del momento espontáneo, transmite la frustración y el instante no planeado de ese tiempo, sus fotografías son honestas, inquietantes, crudas y representativas. Ella sabía difuminarse en sus autorretratos, también se plasma tal cual es, es decir, nunca pretende vivir una situación en la que no se encuentra, al contrario, evidencia su realidad, por ejemplo, en su fotografía " un mes después de ser golpeada" en 1984. 

                                        

Por otro lado, existen diversas posibilidades del autorretrato, como el caso de Velázquez, que es un secundario en sus Meninas y no obstante se encuentra presente como personaje observador; Arthemisa Gentileschi hizo su propia alegoría de la pintura a finales del siglo XVI. Rembrandt logró hacer mas de cien autorretratos, en diferentes técnicas de dibujo y pintura, siempre mostrando una fracción de él como artista que asume una identidad particular, y que evoluciona a lo largo del tiempo. Sus autorretratos no tienen la necesidad de Durero, que más bien buscaba una idealización de sí mismo, sino que son un auto-estudio donde se reconoce a sí mismo, donde se distingue su edad y su estado de ánimo de forma clara; para haber logrado esto en pintura se requirieron varios autorretratos, porque no es lo mismo ver la evolución de juventud a vejez y las mutaciones que expresa Rembrandt a las fotografías que pudieran tener la misma función de auto-estudio. 

                                                      Las meninas, Diego Velázquez 

                                                    Autorretrato, Arthemisia Gentilleschi

                                                           Autorretratos Rembrandt

Picasso se llegó a retratar como otro personaje, hizo una transfiguración, donde su cabeza de minotauro es la figura que él considera idónea para representar  el concepto de su sexualidad. Estamos viendo la invención de sí mismo, no obstante, aunque este doble del autor sea una proyección de lo que se desea ser, el fotógrafo o pintor que se autorretrata delata una verdad suya, genuina. La composición en espiral llama la atención a la forma de leer la pintura, la propia posición encorvada y el que esté encima de la mujer, hace que se le observe entendiendo que su sexualidad es algo inhumano y pasional. Podemos ver que en la pintura modernista se prestó para que los pintores permitieran que hubiesen ciertos patrones fuera de la literalidad que los lograran representar, se ampliaron los términos formales y conceptuales dentro de la composición de la pintura. Chagall en su autorretato es metafórico, a diferencia de Courbet, representante del realismo en sus autorretratos.  

                         

                                         Picasso, Serie de la Minotauromaquia, 1936  

                                               

Francesca Woodman 

    

    Woodman fue una fotógrafa con un trabajo que tiene raíces surrealistas, también tiene elementos prominentes de la literatura gótica; considero que las fotografías de Woodman pueden ser muy juguetonas de forma visual.  Usa entornos naturales que se pueden considerar derruidos,  figuras humanas sobretodo femeninas y frecuentemente desnudas, pero sobre todo se observa esta simbiosis del espacio y el individuo retratado. Esos son algunos cánones de su fotografía, que utilizó igual con sus autorretratos; eso es lo que me llama la atención, la elección de esos cánones para caracterizar sus fotografías. En esta foto su cuerpo parece fundirse con el entorno; en lo personal me atrae que sea en blanco y negro, porque los colores tienden a distraernos de la acción; también que se esté fusionando con las ramas del árbol ya marcadas por el tiempo, me remite a una especie de dafne contemporánea que se quiere volver árbol. 

 

Cindy Sherman 

    

    En sus fotografías se plasman los modelos  cinematográficos de la mujer, ofrece una lectura a través de sus autorretratos, giran en torno a la condición de lo femenino en el mundo contemporáneo. En lo personal me gusta la forma en como fusiona el "tableaux vivants" que se refiere a esta práctica donde se busca representar un personaje o de una escena,  con el "performance" en sus retratos. Se percibe que tuvo un capital cultural visual importante, que carga con esa cultura visual la estética y se apropia de las narrativas que aparecían en el cine y en la televisión. En una entrevista Sherman comenta que la película que más disfrutaba por su fotografía y por estos caracteres que se logró apropiar, es La ventana indiscreta 1954 de Hitchcock. 

    Bien esta fotografía suya podría hacer un homenaje a Audrey Hepburn en breakfast at tiffany´s. La estrategia de la apropiación de la cultura visual explica en parte su empeño a releer los modelos de representación femeninos tradicionales, donde ella además incorpora alusiones y citas de su trabajo. 

Julia Margaret Cameron 

    Es una de las fotógrafas que desafió su progreso para desarrollarse en la fotografía en el siglo XIX. Sus escenas temáticas son alegóricas, poéticas, históricas, y sobretodo simbólicas, siempre hay una intención mas allá de la imagen literal, Cameron tiene una necesidad de conectar lo humano y lo divino en sus fotografías, y es por eso que también tiene un gran interés en las emociones y las expresiones de sus modelos.  El tableaux vivant y el autorretrato son su campo idóneo en la fotografía. 

    Aunque varias de sus fotos tuviesen barridos o desenfoques, no era casualidad, al contrario, ella lo logró aprovechar, como en varios casos donde retrataba pasajes bíblicos (the passing of arthur 1874) . 

En sus retratos en general, ella logró calar más a fondo para poder plasmar el temperamento de quien estuviese retratado, incluso consigo misma, como en éste autorretrato suyo. Hay una intención que trasciende la mera iconicidad y la apariencia visual, se puede ver más sobre su carácter. 

Autorretrato J.M.Cameron

Man Ray 

    

    Uno de los enfoques de la fotografía de Man Ray era la pintura surrealista, esto le permitió que su postura fotográfica fuera totalmente experimental donde podía jugar sobre la ambigÜedad de un género nuevo por experimentar.  Su fotografía es onírica, inquietante y  surreal.  En su autorretrato de 1932 vemos  la técnica de la solarización, donde antes de terminar el revelado, Man Ray velaba el negativo con un golpe de luz en el cuarto oscuro, y eso se volvió una de sus cualidades fotográficas frecuentemente usadas. En lo personal me atrae como ese efecto de solarización le da a sus fotos esta noción onírica e intermitente de estar entre la vigilia y el sueño, un medio camino entre la foto y el diseño gráfico. 

Self portrait, 1932, Man Ray 

Sally Mann 

    

    La fotografía de Mann es de formato amplio, usa la metáfora y la fotografía documental, y con ambos logra producir un trabajo melancólico , con imágenes que se abstraen y funcionan para narrar una historia de un tono neutral. Su trabajo de paisajista está hecho con una mirada mas precisa y elaborada que las fotos de la adolescencia cotidiana en Virginia, pero no deja de ser interesante, como su proyecto "at twelve" donde retrata la transición de las niñas a volverse mujeres. En sus autorretratos y sus fotos en general retrata su cotidiano, pero no tanto como iconicidad documental, sino que le agrega esa profundidad metafórica que es lo que, en lo personal, creo que la hace tan atractiva visualmente. En su autorretrato es muy sincera, fuerte y expresiva.